一、李健《十點半的地鐵》

原唱劉錦澤，原曲 D 大調，音域 B2 - #F4，李健版 bE 大調轉 E，音域 C3 - #G4

在我看來，劉錦澤的這首《十點半的地鐵》在第三季《中國好歌曲》裡水準算還不錯，但也不是特別出彩的。從寫作上看，歌曲對於生活細節的抓取精準而生動，但提煉與升華的力道還可以再稍微大一點點。編曲上相對簡約，當然這是《好歌曲》的節目整體定位所決定的，他們不像讓過度復雜的編曲幹擾受眾對詞曲寫作品質本身的判斷。旋律還算優美流暢，高音部分稍稍低瞭點（隻碰瞭 #F4）但還算在合理范圍內。

李健的版本在原版基礎上有針對性的進行瞭優化，效果好瞭不少。整體上移瞭音區（提瞭1-2key），而且擴張瞭歌曲段落。編曲上進行瞭大幅優化，細膩且富於流動感的弦樂組為敘事化的歌曲提供瞭飽滿的情感。最關鍵一點變化，在於音色、語氣所決定的表達方式，而這也是當時我聽劉錦澤的原版隱隱感到有問題，但聽過李健的版本後才恍然大悟的地方。這首歌采用瞭寫實化的寫作手法（全部主歌以及相當一部分副歌），但同時劉錦澤又采用瞭一種非常口語化，帶有念白感的演唱方式。李宗盛用的也是類似的唱法，但唱非常有內涵、有深意的作品時，這種口語化的表達方式會和歌曲文本的深度形成對比，營造出一種滄桑後的淡薄感，比如《凡人歌》，比如《山丘》。如果題材和描寫已經非常具體生動瞭，表現手法還過於生活化、口語化的話，作品就容易僵硬死板。但是同樣的詞曲，由李健這種圓潤綿長的音色「誦詠」出來，就蘊化出一種高於生活的詩意感（當然，弦樂組也玩命地抒情烘托氣氛）。巧妙的改動。

如今回看暫時性停播的《中國好歌曲》，還是給這幾年的中國樂壇提供瞭大量優秀作品的。除瞭這首《地鐵》，《野子》、《悟空》、《卷珠簾》 也都曾在《歌手》舞臺上被翻唱。在其他的各種場合被翻唱、改編的更是不計其數。希望《好歌曲》真的隻是暫時停播。

二、迪瑪希《All By Myself》

原唱 Eric Carmen，原曲 F 大調，音域 C3 - bB4，Celine Dion 錄音室翻唱版（著名版本之一）A 大調轉 #C 大調，音域 E3 - #F5，迪瑪希版 A 大調，音域 E3 - #D6

這首《ABM》，雖然不像《一個憂傷者的求救》那樣和迪瑪希的氣質那麼契合，但也算正常水準的選曲，比之前的《天亮瞭》要好得多。男聲原 key 翻唱女調（還是如此高難的一首歌）無論以哪個標準判定，技術難度都是極高的。縱觀這九期的表現，迪瑪希不論心情如何、身體狀態如何、人氣和名氣如何，都展現瞭精湛而且穩定的發聲技巧。決定表現效果的，大多是選曲以及改編方向上的選擇。

我們拋開外在細節，會到原點重新分析。迪瑪希的最大優勢在於：1、音域極寬且不同發聲位置之間沒有明顯斷層；2、對超高音區有很強的控制力（音準、音量、穩定度）。那麼，如何在藝術上揚長避短，也要圍繞著這兩個技術特點來把控音樂呈現方向。

之前說過，迪瑪希要面臨的一個重要問題在於找不到能充分發揮他音域的歌曲（大多數歌手都唱不瞭這麼寬所以歌自然也不會寫那麼寬啊），那麼，如果他選瞭別人的歌同時還要把他的音域全部發揮出來，那就必須要改編。所以迪瑪希每首歌到歌曲後半段都要往上翻高音（這還屬於常規做法），但偶爾他還會把原曲旋律進行平移，比如《天亮瞭》後半部分的副歌段，就把其中一般的旋律拆到瞭下方八度，這次的《ABM》間奏後第一個副歌段的第一句（03:10），也把旋律下移瞭八度。這種做法沒有必要，會破壞歌曲既有的結構和意境，歌曲的推進邏輯也不再成立。還不如老老實實等歌詞處理完，等到華彩段落再進行炫高音。

迪瑪希現在的高音轟炸得太多，對於高音的弱唱，以及漸強減弱的高音呈現得不足，沒能充分展示他對聲音的強大控制力，而這恰恰是迪瑪希聲音中最迷人的部分，也是演唱難度最高的。仔細想想《求救》裡， B2 連續上跳到 B4 的 hook 句出現瞭多次，有弱唱，有強唱，但上升到 B4 之後的每一個 E5 #F5，他都唱得從容、松弛、柔和（用術語解釋就是泛音豐滿），而這就是優雅和魅惑感的來源。假如在這個音區段頻繁強唱，音色就不由自主地堅硬銳利瞭起來，給人的感覺也會越來越像在用大嗓門喊高音，優雅感自然也就沒有瞭。

好東西都嬌貴。迪瑪希的嗓子雖然皮實耐操（病成那樣還能飆高音呢），但借由嗓音而呈現出來的那種高貴氣質卻是非常精巧易碎的，需要小心維護。

三、林憶蓮《多得他》

原唱王菲，原曲 #G 大調，音域 F3 - #G5，林憶蓮版從 #G 大調升到 A 大調，音域 F3 - #C6

《多得他》的原曲是 L.A.Reid 和 Babyface 共同為 Karyn White 創作的《Superwoman》。創作此曲的時候，L.A.Reid 和 Babyface 剛剛創立瞭他們的公司 LaFace （倆人藝名的合體），隨後他們陸續捧紅瞭 Toni Braxton，P!nk，Usher 等藝人。是美國上世紀末繁榮的 R&B 年代的重要參與者。隨後 L.A.Reid 和 Babyface 的發展方向出現瞭差異，前者先後擔任瞭島嶼音樂（Island Music Group）和索尼音樂的高管，是 Kanye West，Rihanna，Justin Bieber 等人的重要幕後推手，還當瞭幾季 X Factor 的評委。Babyface 則去當瞭制作人（和 Whitney Houston, Boyz II Men, Eric Clapton 等人合作）和歌手（自己發發專輯唱現場），一共拿瞭 10 個格萊美（都是有份量的獎項）。

寫這些倒不是因為我特別喜歡 Babyface，而是想反映一下當時香港樂壇的狀態，即大量的「拿來主義」，唱片公司無心原創，常常半張專輯都照著歐美日韓排行榜買翻唱版權，然後交給詞人一填瞭事。歌曲、歌手都是娛樂工業流水線上的產品，歌手都未必是能唱自己真正想唱的歌——自打王菲棄用瞭「王靖雯」這個藝名之後，就沒再碰過 R&B 呢。

所以審視 Sandy 這版《多得他》，也沒必要過多糾纏選歌上的深意，以此來比較王林二人如何如何就更是過度解讀瞭。單從音樂上看，林憶蓮的編曲更有層次，前半部分完全摒棄掉 R&B 元素，進行瞭抒情化處理（根本聽不出是黑人寫的旋律），而後從打擊樂進入起，才會慢慢感受到黑人系音樂元素的存在（主要是律動中的切分不斷增加），到瞭歌曲的後半段，管樂的織體已經非常豐滿瞭。全曲可以理出一條「R&B 特征由隱漸顯」的清晰線索。

演唱方面中規中矩（正常發揮瞭水平）。八九十年代的 Quiet Storm 作品旋律形態大多收斂（不像後來的 R&B 有那麼多轉音），律動特征也更多地體現在伴奏中，這就使得其旋律帶有較強的抒情性（所以適合拿到中國翻唱嘛）。對於長於抒情的 Sandy 而言，正常發揮效果就不會太差。

四、林志炫《Feeling Good》

e 小調轉 f 小調轉 #f 小調，音域 E3 - A4

這一期連續三首歌的風格有些接近。《多得他》是八九十年代的 R&B，《Feeling Good》是爵士標準曲，《我要你》也改成瞭爵士版本。

所謂爵士標準曲（Jazz Standard），指的是一批歌手、樂手和聽眾都非常熟悉的爵士歌曲。它沒有一個確定的標準，各地的爵士標準曲會略有出入，但這首《Feeling Good》肯定會出現在各種版本的爵士標準曲庫中。爵士樂和古典樂的一大區別，是采用 Fake Book（抱歉沒有對應的中文術語），從字面上看這是指「假書」，實際意思是這種譜子隻記錄旋律、歌詞、和伴奏和聲，而並不會把器樂譜完全記錄下來。這就需要樂手們自己確定節奏型、確定過門和接口、自己 solo。這對樂手和歌手有著較高要求，但這同時也意味著作品在演繹上的自由度與開放度（一首歌可以有很多中風格的演繹）。這種音樂存在的狀態也側面反映瞭爵士樂這種樂種的精神內核。

單從歌曲上看，我摸不準林志炫選擇這麼一首爵士標準曲來參加競演的深意，畢竟無數珠玉版本在前（不乏 N 多大師的），既不容易直接超越，又難以另辟蹊徑，而且作品和林本人的氣質也找不到什麼特別明確的共性。林的版本結構並不復雜，一個散板化的引子過後，就是規整的 12/8（可以理解成 4/4 拍進行 shuffle 化拆解 which is 爵士樂的律動精髓）。演唱上除瞭點綴瞭幾聲怒音，整體處理得圓潤流暢，甚至連高音都不拼瞭，最高隻到 A4。但更多的亮點在於細節處理的完整度，比如句末的裝飾音，比如對切分以及音量處理的精準卡位，等等。總之可以算是首淡化個性但細節執行到位的表演，是個能拿滿分的「應試曲」。

五、張傑《我要你》

原唱老狼 & 任素汐，原曲 E 大調轉 F，男聲音域 B2 - G4，張傑版 E 大調轉 F 大調再轉 G，音域 B2 - A4，反串假聲高音到 #F5

爭議比較大的一首歌。

很多批評是針對歌曲中張傑反串的那段《天涯歌女》，但我賽後單獨聽 QQ 音樂上的歌曲音頻時，發現這裡張傑的人聲又經過瞭明顯的音頻處理，整個段落變成瞭那種帶有豐滿溫暖底噪的老唱片的聲音，一下變得協和流暢瞭許多。而節目中，處理幅度並沒有那麼大，並且處理幅度不能太大的原因是張傑在反串段落並沒有在視覺上制造出反串段落所需要的相應的戲劇感。而這就是觀眾違和感的來源。其實這個反串段落在藝術上的用意，是在歌曲主體、老上海爵士樂，以及《驢得水》故事背景之間建立聯系，這是成立並且可行的（也使用在瞭老狼與任素汐的版本當中）。但在舞臺上呈現的化，這種劇烈的戲劇沖突需要選擇恰當的表現方式（否則審美漂移就變成瞭翻車）。想象一下，假如節目中，張傑仍然自己反串女聲，但把舞臺燈光滅掉（而不是讓張傑自己站在臺中央拈著蘭花指模仿歌女），隻留一束追光打在一個老式留聲機上，同時音頻進行大幅處理，幅度參考 QQ 音樂裡的版本，相當於在此段落中把歌手的視覺形象和聽覺形象同時進行虛化變型，是不是感覺上就舒服多瞭？

張傑這次請瞭上海的老爵士音樂傢，還是花瞭不少心思的。有關老上海與爵士樂的歷史文化淵源，以往文章談過多次，在此就不贅述瞭。比起原版的抒情 + Bossa Nova 串《天涯歌女》，張傑用爵士串《天涯歌女》，其實更有深意，內在邏輯也更自洽。隻是呈現方式上有瑕疵，拖累瞭效果。

六、獅子合唱團《愛不愛我》

原唱零點樂隊，原曲 bB 大調轉 C 大調，音域 F3- G4，獅子版 A - bB - C - #C（都是大調），音域 E3 - #D5

獅子的選曲總算回歸瞭正軌，選瞭一首流行搖滾作品（雖然此曲已經搖滾味最淡的那一檔瞭），當然，改編得挺好，歌曲層次感一下出來瞭（原版那幾句話倒來倒去的聽多瞭真的會覺得有點……貧）。

倒不是編曲上用瞭什麼奇招，相反獅子這首的編曲用的都是相對常規的手法。比如前奏加一整套主副歌都采用瞭降速的抒情化處理，配器也相對簡單。一直抻倒瞭將近三分鐘才進鼓（順勢在過門處升瞭個 key），而歌曲已經進行瞭 2/5 瞭。而後就是流行搖滾典型的層層加碼，配器、節奏型、吉他音色都按部就班地重起來，把歌曲情緒逐漸推高。相應的，調式上也經過瞭四次變化，在原曲的 bB - C 的基礎上，向上向下延伸處瞭 A 和 #C 的段落。蕭敬騰的演唱和樂隊配合得很好，沒有玩太多花招，偶爾水到渠成地給個 bB4 高音，到瞭結尾才給瞭全曲最高音 #D5。假如前面的抒情段落拍子再卡得緊湊點就更好瞭。

總體看來這首歌勝在瞭編曲的精細和執行的到位上。規整且稍微有點呆板的原曲經過瞭改編，顯得更有層次感、更富於變化同時還和原曲並不脫節。個人感覺這種「微創新」要比追求顛覆感（比如之前的《It’s My Life》），來得效果好。

七、彭佳慧《愛上一個不回傢的人》

原唱林憶蓮，原曲降 b 小調，音域 bA3 - bD5，彭佳慧版 a 小調轉降 b，音域 G3 - bD5

無法理解彭佳慧老師的選曲用意。

這首歌算當年流行的都市苦情歌的代表，調式律動旋律沒有特點，配器裡那些帶有時代感的合成器貝斯倒帶有一點時髦的復古感（可惜改編時沒有沿用），歌詞裡那種怨婦感……在現在看來至少不會特別有時代共鳴感。演唱上，雖然前半段定在 a 小調，制造出瞭一個升 1key 的小過門，但高音上並沒有作出任何華彩處理，隻是老老實實地按原曲版本唱瞭下來，要知道《歌手》上的翻唱通常要比原唱高上幾 key，尤其是越老的、難度越低的歌，翻唱時觀眾預期的上翻音域就越高。這首二十多年前的歌彭老師竟然不往上翻高音……實在是太不懂討喜瞭。

總之就是從各個角度審視，彭佳慧老師這個版本讓觀眾找不到投票的理由啊。參加比賽固然不能出現大紕漏，可自己也要有收票的亮點啊。

八、梁博《靈魂歌手》

原唱梁博，原曲 bE 大調，音域 F2 - bA4

這首歌和創作演唱瞭這首歌的梁博都讓人眼前一亮。

歌曲的結構就很有意思。這歌的主副歌分佈在兩個調上：主歌在 bB 大調，副歌在 bE 大調，二者是相差純四度的近關系調（所謂近關系調就是兩個調有共同的正三和弦，轉調非常方便）。例如在歌曲前半部分鋼琴伴奏段，串聯起主副歌的織體是以 bE、D、bB 三個音作為骨幹音展開的，而這三個音在主歌的 bB 大調中，可以視為首調的 fa mi do（431），而在副歌段的 bE 大調中，則可以視為首調的 do si sol（175），這使得歌曲在兩個調式之間切換的時候，既產生瞭段落對比感，但又不至於連接得過於突兀。

同時，段落上看，歌曲沿用瞭主副歌結構，但具體排佈卻增加瞭很多變化。扒一下段落（括號內是小節數）：歌曲是 4/4 拍，bpm = 62

前奏（6）+ 副歌（7）+ 間奏（4）+ 主歌（9）+ 主歌（8）+ 副歌（9.5）+ 主歌（8）+ 主歌（8）+ 副歌（9.5）+ 主歌（8）+ 主歌（8）+ 副歌（7.5）+ 副歌（9.5）+ 橋段（8）+ 尾段（8）+ 結尾自由速度

這裡面，小節數的 0.5 指的是一個四拍小節的一半，即兩拍。那麼這首歌結構上有兩個特點：1、歌曲長，循環多：除去前面的「前奏（6）+ 副歌（7）+ 間奏（4）」（可以視為歌曲的引子），在歌曲的主體部分，安排瞭三套主副歌。歌曲長度從而就變得很長，達到瞭前所未有的 7:50 ；2、段落經常會安排一些小變化：比如除瞭第一個阿卡貝拉段的副歌，其他的副歌段的段尾都加瞭兩拍，從而給歌曲行進節奏制造一些小變化。同時，主歌段偶爾也會額外增加一個小節，而且 9.5 小節的副歌段和 7.5 小節的副歌段，主要差別在於副歌段位是否添加瞭一個兩小節的器樂小過門。這些小變化讓如此長的一首歌聽起來並不呆板、富於變化。

同時，在配器上也有巧妙心思，最亮眼的當屬歌曲開場的純人聲合唱。按理說前奏已經按照標準的搖滾樂的編配啟動瞭，但突然所有樂器禁聲，由無比豐滿的人聲重唱出主體（聲部寫作得非常精致，有很多二度音程關系，但梁博的樂手們唱得很準）。到達一個段落小高點時我原以為要鼓镲失真吉他一齊接管情緒，結果接的是淡入的鋼琴。總之就是在配器上連續打破瞭我（以及很多聽眾的）想象定勢，以出人意料的方式推進著歌曲。而這種出人意料也同樣表現在歌曲的段落排佈和段落長度上。

打破瞭思維慣性但還能自成體系，就是創作者們一直在追求的狀態啊。

瞭解瞭歌曲結構的特別之處，再去比對歌詞文本，可能會對作品有更深刻和全面的理解，我就不越俎代庖瞭。

其實梁博作為第一季《中國好聲音》（這個節目橫空出世、最受關註的一季）的冠軍，奪冠出道後卻沒有遵循節目慣性在圈中發展，反而低調出國深造學習，是會招致一些非議的。包括他 2014 年推出的同名專輯，雖然平均水準不錯但也不足以打消別人對他另類發展方式的疑慮。尤其考慮到和他同期出道、名次還次於他的吳莫愁、吉克雋逸、金志文已經成為準一線藝人瞭。

但這首歌呈現出來的創作姿態、思考深度和音樂水準，讓人覺得梁博是當得起這個冠軍的。當然也要感謝節目組，讓他能把如此長的作品，完整地呈現瞭出來。希望還能聽到梁博更多的優秀作品。

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三票投給：梁博、林憶蓮、獅子