​本文是我正在寫的一本書《從“零基礎”到“畫啥像啥”——自由手繪必修課》中第一章節的內容。

由於這一章主要講理論基礎，所以都是文字，需要耐心閱讀，希望對你有幫助

一起加油呀！

前言：

很多人都希望能畫出自己看到的或者是想象中的人物、事物和場景。

但嘗試瞭一下卻發現理想與現實相差甚遠，要麼完全無法下筆，要麼畫的極度抽象，過瞭一會之後再看的話可能連自己都看不出畫的是啥。

於是感覺自己完全沒天賦，就放棄瞭...

請千萬不要這樣想，更不要輕易放棄！

畫不出來其實是最正常的情況！

因為這裡存在一個印象記憶與真實記憶的差別。

印象記憶指的是那些我們看到過的，甚至經常看到的，但卻無法在不看的情況下準確默畫出來的景象。就好比即便媽媽的面龐已經看過瞭上萬次，卻也無法在紙面上把媽媽很像地默畫出來。

真實記憶指的則是腦海中那些我們能夠準確地默畫出來的景象。這種狀態類似人體打印機，想到啥就能很像地畫出來啥，比如阿拉伯數字，26個字母，常用漢字等。

是的，字，你沒看錯，就是字。

雖然我們常說寫字寫字，寫楷書、寫毛筆字等等，但本質上字也是畫出來的呀！

我們以為的“畫兒”隻不過是比字更復雜、更難記憶而已，難記+用的少=印象記憶=寫/畫不出來。

其實我們腦海中的絕大部分記憶都是印象記憶，尤其是對於繪畫新手來說。

而且零基礎的情況下即便是看著真實照片或場景去畫也是很難畫像的，更別說是僅憑印象記憶去默畫。

這就是手殘、畫啥不像啥的原因，每個人都免不瞭從這個階段起步。

所以請不要氣餒，更不要認為自己沒天賦。

隻要按照本書中的方法一步一步訓練，每個人都能鍛煉出畫啥像啥的繪畫能力，並讓自己喜歡的印象記憶變成真實記憶，隨心所欲地畫出心中所想。

本書線上公開發佈地點在微信公眾號“自由手繪”與知乎“何天衢”，在正式出版實體書之前會不斷修訂，爭取做出一本教科書級別的的畫畫入門書籍。希望大傢在評論區多多建言獻策，感激不盡！

第一章、明確學習目標，建立起清晰有效的學習路徑

沒有目標的繪畫學習就好像是失去瞭嗅覺的小蜜蜂一般，這裡嘗嘗那裡嘗嘗，即便勤勞無雙，但卻得不到好的收獲，最終累死在瞭路上。

目標可大可小，大的可以作為長期目標，然後將其拆解為一個個短期小目標。

需要註意的是，小目標得繼續拆解為一個個可執行的訓練步驟，並建立起合理且高效的學習路徑。

讓整個學習過程變得像闖關一樣，讓闖關者隨時可以清晰地看到自己所處的關卡位置，瞭解自己完成每個關卡所需的大致時間。

更重要是的要清晰自己每打過一關能提升什麼能力，能獲得什麼裝備，以及如何畫畫中靈活運用。

這樣的話，我們就不需要把時間浪費在探路找地圖上，也可以避免因為一時的挫敗而對整個目標失去瞭完成的信心。

從而獲得一種類似於“胸有成竹”的自信：自信雖然自己還是一個新手，雖然遇到的挫折確實很令人失落，雖然自己沒有想象中那麼有天賦，但隻要一步一個腳印闖關下去，自己一定能實現目標。

這是確定目標與優質學習路徑的必要性，也是本書的作用之一。

下面我們將盡可能地去窮舉各種繪畫目標，並歸納出學習路徑供大傢參考。

1、這裡有沒有你喜歡的繪畫目標呢？

繪畫目標可以分為這倆大類：

第一類是想要畫出目之所及，把眼睛看見的美好用畫畫的形式呈現出來。

它可以細分出以下這些目標：

想把好看的東西統統畫下來！

想畫喜歡的動漫角色；

想給喜歡的人畫肖像畫，也希望畫自己寵物；

想要臨摹好看的插畫和繪本，並期待有一天能原創；

想臨摹大師速寫和素描，並期待能掌握類似大師的風格；

想練速寫，畫手賬隨手記錄生活中的點點滴滴，記錄寶寶的成長歷程，記錄旅途中遇到的美景等；

想學素描，打好繪畫基礎，以期能實現隨心所欲地畫畫。

想練習起型能力，目前畫啥不像啥，實在是太痛苦瞭！

想臨摹別人的優秀設計作品，未來去做相關領域的設計。

喜歡彩鉛、水彩、丙烯、色粉、油畫等畫種，希望能用這些工具畫畫，至於畫啥就看心情啦。

生活壓力好大，希望能在畫畫的時候釋放內心的壓力,獲得快樂和滿足感。

這種目之所及可以是臨摹別人的作品，也可以是對著照片或者真實世界進行寫生。

當然，這裡的寫生並不意味著我們必須畫到與照片或者實景完全一致，畢竟大部分情況下它倆並不完美，需要我們進行一些主觀調整。

比如畫面中的某些元素之間的位置關系不美觀時，我們可以根據需要去移動元素的位置；又比如畫面中某些地方的細節太過復雜難以作畫時，我們可以對這些地方進行簡化、抽象化處理，也可以直接刪掉或者替換掉等等，可以在尊重事實的前提下進行類似的小幅改動。

第二類是想要畫出心中所想，想把腦海中想象的畫面呈現出來。

這也是大多數繪畫愛好者的終極目標，同時也是能直接產出價值的一類，因為在人類世界裡，一切人造物都需要設計，而絕大多數設計都離不開美術修養，離不開畫畫。藝術設計的身影幾乎無處不在。

它可以細分出以下這些目標：

想自己原創漫畫、插畫、繪本、動畫、原畫或動漫等，成為一名職業插畫師、自由畫傢或動畫師等。

想做一名設計師，包括但不限於服裝設計、平面、UI、建築、遊戲、珠寶、3D 美術、影視戲劇美術、視覺傳達、化妝造型紋身、雕塑、陶藝、書籍裝幀、產品、工業、景觀園林、汽車、室內外設計等等這個世界上有的沒的東西，甚至是宇宙飛船、機甲等等，隻要你喜歡，都可以進行原創設計，都可以成為那個細分領域的設計師。

想成為一名美術老師，做一位傳道授業解惑者，就跟作者一樣。

並不是想做某個職業，隻是單純的想擁有隨心所欲地畫畫的能力，也想盡可能多的涉獵不同的繪畫工具，比如鉛筆、彩鉛、水彩、手繪板+ps等、ipad+pencil、丙烯、油畫、色粉、馬克筆、鋼筆淡彩等等。

2、你是想畫出目之所及，還是畫出心中所想呢？

目之所及是基礎，心中所想是進階，他們其實是一個遞進的關系。

為什麼這麼說？

因為從本質上來講，畫出“目之所及”這件事是對“已有”的再現與記錄，而畫出“心中所想”則是在設計與創造“未有”。

但這種“未有”並不是無中生有、憑空捏造，而是跟“已有”息息相關的。

“未有”指的是新的工業產品類設計（包含一切人造實體物，比如房子、車子、椅子、衣服、美食等等）。

以及新的藝術設計類作品（包含繪畫與部分設計類細分領域，比如海報設計、電影、動漫、雕塑、妝造等等以傳達某種信息、理念、故事或美感為主的視覺或視聽結合類作品）。

這兩種就幾乎包含瞭所有的“未有”。

仔細想一想，其實不論是哪種設計，這些“未有”都存在可追溯的歷史。

這意味著，某種設計作品一般不會憑空出現，而是經過瞭一次又一次的改進和創新，最終才演化成為瞭我們現在所看到的狀態。

所謂“未有”指的是將某種“已有”繼續去改進、去創新、去揉合新的元素，去為新的使命而進化。

故而在設計創造“未有”的過程中我們就需要根據設計主題去收集大量的“已有”素材進行參考，也可以對這些素材進行變形、重組和揉合等動作，使其形成一個符合當前需求的新作品。

所以說他們是一個遞進的關系。

此外還有一個技術上的原因：

對“已有”進行變形、重組、揉合等動作是一個進階技能，它需要我們有畫啥像啥的臨摹與寫生能力作為支撐。

比如在找不到某個素材的俯視角度時，需要我們看著這個素材的其他角度去把俯視角度想象著畫出來；

比如需要畫一個狗頭人的時候，得能夠把人的身體和狗狗的腦袋融合在一起，狗爪爪還得和人手揉合一下。

更難的是進行人物創作的時候，我們往往找不到剛好合適的人物動態參考圖，得找模特現場寫生才行。

等等類似的情況都需要我們有足夠的臨摹與寫生能力才有可能在此基礎上去進行變形、重組等動作。

而臨摹和寫生能力剛好可以在畫出目之所及的階段得到很好的鍛煉。

所以說目之所及是基礎，心中所想是進階。

如果你的目標在目之所及中的話，那就先安心達成這個目標。

而如果你的目標在心中所想裡面的話，就要適當調整一下心理預期，不要直接奔著畫出心中所想走。

因為在做不到熟練畫出目之所及的情況下去學習如何畫出心中所想的話，會非常非常吃力，基本功不夠用，學會的希望很小，大概率會中途放棄。

3、為什麼一提學畫畫就離不開令人頭疼的素描呢？

或許你曾聽說過這樣一句受到瞭廣泛認可的話：素描是一切造型藝術的基礎，學畫畫要先學素描再學色彩。

那為什麼要這樣說呢，必須學習素描不可嗎？

這是因為素描中包含瞭形狀、體積感和空間感這三個造型要素。其中形狀表達的是世間萬物的二維平面狀態（表現形式往往是線性速寫/線描/線稿），體積感表達的是物體的三維立體狀態，空間感則表達的是場景的三維空間狀態。當然體積感和空間感的成立還需要對光影原理和透視原理有深入的學習，後者是前者的子集，是素描中的一部分。

而造型藝術的表現形式不是二維平面就是三維立體，剛好需要這三要素作為支撐，所以說素描是造型藝術的基礎。

又因為任何形式的畫或照片在進行黑白處理之後，它其實都是一個單色的素描狀態。

如果我們連單色素描狀態下的體積感和空間感都處理不好的話，在畫色彩的時候會更加困難。因為每一筆顏色中都包含瞭明度、色相、純度三個要素，其中明度（素描關系）對畫面效果的影響是最大的。

我們每畫一筆都需要同時註意3個要素，其中影響最大的要素還不熟練，可想而知難度有多大。

另外，畫畫其實就是用某種工具在某種介質上借助形狀、構圖及顏色等美學方法去傳遞某種信息的一個過程。而可以用來畫畫的工具和介質幾乎是無窮盡的，任何能留下痕跡的東西以及地方都可以畫畫。

當我們熟練掌握素描的基礎知識之後，再學習一下色彩原理的話。那不論未來選擇哪個畫種去發展，我們都能在學習一些該畫種的工具使用方法與表達技巧之後，快速上手該畫種。

因為繪畫藝術的底層邏輯都是相通的，離不開形狀、體積感、空間感、質感等等這些一通百通的關鍵基礎知識。

而這些知識的最佳承載體就是素描瞭，所以最好先學素描。

但是很多同學一聽到素描就頭疼！

抱怨道：我也知道素描重要，可是我去畫室學瞭3個月瞭，別說畫啥像啥瞭，就是那個幾何石膏體我還沒畫好，太折磨人瞭，根本學不下去呀！

對此，作者身受同感，我們的傳統美術教育的確存在著耗時長、見效慢、比較枯燥的缺點。

基本上除瞭面臨升學壓力的高考美術生之外，幾乎很少有人能把素描幾何石膏體、靜物、石膏像、人物肖像、半身像這一套完整地學下來，一來是沒有那麼長的時間，二來是沒那個集訓的氛圍。

更令人難受的是，社會上的老師們基本都是被這樣的教學方法所培養出來的，大部分也隻會照貓畫虎地去教。

這對於社會上基數更大的興趣學畫人群來說，是一件急需變革的事情。因為它影響瞭太多太多人的畫畫積極性，甚至間接影響到瞭整個社會的設計創新創造力。

4、傳統素描教學方法的弊端是什麼，我們又應該如何破局呢？

那我們就來需要分析一下，為什麼素描學起來這麼困難，以及我們應該如何對癥下藥！

之所以大傢普遍認為學畫畫非常耗時耗力，是一項沒有一年半載根本無法入門的技能。

其實這是因為，傳統的素描學習路徑就好比是一條到處都是十字路口的馬路。

但是這馬路卻沒有畫雙黃線、也沒有用白線來區分幾車道，紅綠燈就更沒有瞭。

全靠你一個零基礎的新手在馬路上跑來跑去指揮交通。

放在畫畫中的話，那就是需要在短短幾個小時裡去註意很多新知識：比如說構圖、透視、形狀、比例、位置、黑白灰、調子、質感等等。

讓你一個新手，去同時學習這麼多東西，顯然學習效率是非常低的，會顧此失彼，貪多嚼不爛。

就好比一捆柴火用雙手無法一起折斷，但是一根一根抽出來折，就很輕松瞭。

所以，破局的關鍵在於：無限拆解、細嚼慢咽。

剛好有一本書叫做《關鍵20小時，快速上手任何技能》，這本書中學習新技能的理念可以歸納為16個字：分解步驟、充分學習、克服困難、集中練習。

這與我們的教學思路基本一致，印證瞭我們的破局思路是正確的。

並且經過我們3年多時間線上線下的教學實踐，將其優化為瞭更適用於繪畫技能學習的5個步驟：拆解、模仿、連接、反饋、重復。

這5步具體是什麼意思呢？

第一步：拆解

指的是將耗時長、見效慢的傳統素描學習路徑和高手的黃金作畫思路拆分開。

比如傳統素描教學方法的步驟是這樣的：起形、分明暗、畫投影、畫明暗交界線、畫灰面和亮面、點高光、整體調整、完工。

老師在前面刷刷刷一步一步演示作范畫，學生在後面盯著看，老師演示完之後，就讓學生去自己畫。

看上去似乎很合理，甚至好像已經進行瞭一些拆解對不對？

但是，新手如果那樣學的話，就妥妥滴掉入瞭前面所講的耗時長、見效慢的大坑裡！

因為這種方法雖然進行瞭一定程度的拆解，但是詳細程度遠遠不夠。

更要命的是，沒有進行分步學習！

沒有把當前步驟徹底學會再進行下一步。

就好像是短時間內給的吃的太多瞭，這邊第一口還沒咽下去呢，那邊第十口已經塞進來瞭（毫不誇張）...

最終實力勸退，讓學員實現瞭還未入門就放棄。

起形為什麼難，為什麼大傢普遍認為練到畫啥像啥的程度需要很久很久？

最大的原因就是因為傳統方法給出的步驟太籠統瞭，沒有詳細且具有普適性的操作指南，學生被迫隻能靠著量的積累去慢慢摸索。

當學生偶爾追問老師起形不準具體怎麼辦？體積感畫不出來怎麼辦？

老師隻能答曰：靠感覺啊！離遠看啊！要不然就是直接上手幫學生改畫...

不過這不能怪老師，因為老師的老師也是那麼教他的。

那究竟什麼樣的拆解才是可以的呢？

在教學實踐中我們得出的答案是：拆解到無法拆分出更細的步驟才夠，並且把當前最小的步驟徹底掌握、觸類旁通之後再進行下一步。

單單是起形這一步，就可以再細分出數十個步驟。

將其一一學會，便可獨立畫出眼睛所看見的任何事物的形狀。

具體步驟的內容請看後續章節。

第二步：模仿

也就是練習，去練習拆解後的高手的黃金作畫套路。

但重點是：不要放在一起學，而是要單獨學，單獨去練習每一步，確保每一步都掌握透徹再進行下一步。

重要的事情說三遍：

看懂瞭跟能畫出來是兩碼事。每一小步都熟練掌握、觸類旁通之後再進行下一步！不要好多個步驟一起學，更不要跳著學！

看懂瞭跟能畫出來是兩碼事。每一小步都熟練掌握、觸類旁通之後再進行下一步！不要好多個步驟一起學，更不要跳著學！

看懂瞭跟能畫出來是兩碼事。每一小步都熟練掌握、觸類旁通之後再進行下一步！不要好多個步驟一起學，更不要跳著學！

就好比吃鯉魚或者鯽魚的時候，魚刺太多瞭，不能大塊肉直接嚼，會刺傷你。

要小口抿，一點一點吃。

學畫畫也是一樣，整個方法套路一下子很難上手，因為工作記憶的容量不夠嘛，除非有過目不忘的能力。

但是一小步一小步分開學的話，很容易就能循序漸進地掌握這門技能。

而學不會的原因無關天賦，大概率是因為傲慢，認為自己理解能力強，一看就懂瞭，看一遍書自己去練習就行。

但結果總是令人悲傷，悲傷的發現，自己竟然第一小步都沒辦法一次性做好...

進而開始懷疑自己沒天賦，懷疑方法不對...

不過這也是人性的必然，畢竟絕大多數的人都認為自己處於平均水平之上。

而處於平均水平之上的人也的確學習的更快，甚至能好幾步一起學。

但令人無奈的是，二八定律告訴我們：其實80%的人都處在平均水平之下。

甚至99%的人都處在平均水平之下也不足為奇，因為那個二裡面還有二八定律，一環扣一環。

這個社會很奇怪，心急永遠吃不到熱豆腐；越是想彎道超車越容易翻車；越是奔著錢去，越賺不到錢；越是想加快速度趕時間，最後往往耗時越長。

而那些一步一步踏踏實實堅持下來的人，收獲往往都不錯。

另外，對於畫畫來說，它看似是一件非常感性的事情，但在打基礎階段其實是極其理性的。

因為起形、透視、光影、色彩原理等這些基礎知識，都能用數學進行完美的解釋，它們有著嚴格的邏輯關系。

如果你認同學習小學和初中的數學不需要天賦的話，那學畫畫也不需要，最起碼做到能畫出目之所及與心中所想的程度是完全不需要天賦的（不能把專註力、耐心、韌性等品質當作天賦）。

根據本書的練習方法，一步一步踏踏實實走就都能學會，一起加油！

第三步：連接

當我們把單獨的每一小步都徹底掌握之後，就可以去把他們連接起來，嘗試整體的走一遍。

當我們自己能夠一個人把整套方法順下來的時候，其實就已經上手瞭畫畫技能。

不過學習和連接的過程往往是磕磕絆絆的，總會遇到各種問題無法獨自解決，這個時候就需要第四步的幫助。

第四步：反饋

對於學畫畫來說，除瞭正確的理論方法之外，最重要的事情莫過於找老師獲取清晰明確有具體指導的反饋瞭。

尤其是在初學者的練習過程中，如果沒有老師及時給予作業反饋指導的話，就無法快速迭代自己的作畫思路，很容易把有問題的繪畫思路固化成不良習慣，從而影響到學習效率。

第五步：重復

在練習思路與作畫方法相同的情況下，我們與高手之間最大的差距就隻剩下練習數量瞭。

大量的重復訓練可以將作畫方法內化成我們的本能，當我們無需思考也能隨手畫啥像啥的時候，就成為一個小高手瞭。

而如果你居然能在某個領域積累下一批受到大眾認可的優質作品的話，那你就從高手進階為瞭大師。

以上這五個步驟，是學習素描的破局之道，也是建立清晰有效的學習路徑的指導方針。

5、學畫畫的重點應該放在哪？

當我們在描摹現實世界的時候，我們得去觀察自己畫的東西是否與描摹對象有著足夠高的相似度。

整個作畫過程中，每時每刻都需要去觀察、去找不同，並將不同的地方改到相同。

直至改無可改，或者改到不需要再改的程度。

這種找不同的能力叫做觀察能力，觀察形狀本身的差別、形狀與形狀位置之間的差別、透視關系正確與否、黑白灰對比度是否合適、顏色過渡是否均勻、體積感如何、質感有沒有表達到位、色彩關系是否和諧等等。

另外我們在畫想象中的景象的時候，其實也是一個不斷觀察不斷修改的過程。隻不過此時我們的參照對象是心裡想象的那幅畫面， 我們要做的事情是讓真實畫面不斷更接近自己腦海中設想的那個樣子。

由此可以看出，觀察能力是處處需要的核心能力，貫穿學習始終。

不過經常有學生會問：老師，我能感覺到自己某個地方畫的不太對，但是怎麼改也改不好，這是為什麼呢？是因為手殘嘛？

很多人會以為這是因為眼高手低，手頭功夫不足導致的。

這個解釋看上去似乎很合理，但是我們要想一想，是誰在控制著手的行動？

是大腦。

那大腦是依據什麼來給手下達指令的呢？

依據的是眼睛看到的圖像和腦海裡的知識經驗。

大腦會分析這些圖像，去判斷下一筆應該畫在哪裡、畫多長、用多大的力度、等等，然後下達指令讓手去執行。

但是每個人的知識儲備、經驗都不一樣，尤其新手更是薄弱，那他做出的判斷也大概率不夠好用，導致無法用手把問題修改好，反過來還埋冤是手不行...

想到這裡我們會發現，其實手隻是一個工具，手一旦離開大腦和眼睛之後就沒法畫畫瞭，自然也就沒有所謂的“功夫”瞭（在這裡不考慮條件反射）。

就好比有個新手去空降某地去管理一座城市，他一沒經驗，二對當地的情況倆眼一抹黑。那當遇到問題之後給出的解決方案也大大概率是片面的、無法根除問題的。

所以，感覺到有問題但是卻改不好，不是因為手殘，而是因為大腦沒有在眼睛看到的圖像上用學到的知識經驗分析出最要命的畫面問題罷瞭。

此時又有同學問：老師，那畫畫的時候手抖怎麼辦，直線畫不直怎麼辦？

抖其實挺正常的，因為凡事總有第一次，而第一次難免會緊張，緊張的生理表現之一就是抖，畫的多瞭自然就不抖瞭。

直線畫不直也是正常的，人體胳膊和手的生理結構決定瞭我們在不移動身體的情況下，手隻能做曲線運動。那些看起來排的很直的線條，一般都是弧線，隻是因為線條太短，弧度不明顯而已。

具體線條的訓練步驟可以在下一章看到。切記不要用找感覺的方式去練線條，那就是在碰運氣，效率低且不說，練出來的線條還會很僵硬。很多人把線條畫的不好的原因歸結為練的少，但其實更多的原因是練習的方式有問題。我們要將好看又好用的線條作畫方法拆解開，一步一步分開練習，而不是看一眼之後憑感覺練習。

畫畫打基礎是一件很嚴謹的事情，不是打架，手上不需要有下意識的動作。每一根線條都有自己的粗細、深淺和形狀，我們需要能控制得住它們的變化才能畫的得心應手。

綜上所述，學畫畫的重點應該放在：不斷提高自己的觀察與分析能力，以及尋找並拆解優質的知識經驗和作畫方法。

6、零基礎新手應該依次學哪些內容才能建立起清晰高效的學習路徑呢？

第一項：畫啥像啥的形狀（速寫）臨摹與寫生能力。

世間萬物都可以用由線條組成的二維形狀去概括，概括出來的形狀叫做線性速寫、線描或者線稿。

快速且準確的形狀概括與細化能力是畫畫最重要的基礎能力，不論畫什麼都離不開它。

我們要先將這個能力練到畫啥像啥的程度再去進行素描上色，千萬不要在形狀都還無法獨立畫像的情況下去練習上色！

不然的話，就會經常出現顏色上的差不多瞭的時候卻突然發現形狀有問題的情況。

然後就是翻來覆去的改，吃力不討好，這是傳統素描訓練方法的弊端之一，不可取。

具體的學習路徑為：握筆姿勢、萬能線條、單個簡單形狀的作畫與檢查思路、倆個及以上相連簡單形狀的作畫與檢查思路、倆個及以上不相連簡單形狀的作畫與檢查思路、從局部到整體與從整體到局部的作畫方法、插畫類的簡單形狀線稿臨摹、動物速寫臨摹與寫生練習、人物肖像速寫臨摹與寫生練習、一二三點透視原理、圓的透視原理、室內外場景速寫臨摹與寫生練習。

第二項：對世間萬物的單色（素描）體積感與空間感塑造能力。

當我們有能力將目之所及的任何事物都用速寫或線稿的形式進行準確表達之後，就可以放心大膽地開始訓練光影體感表達能力瞭，這個能力是將二維形狀變成三維形體的關鍵。

倘若沒有光我們就無法看見任何事物，睜開眼也隻是一片漆黑。但哪怕隻有一隻螢火蟲發出一閃一閃的光亮，我們也可以借此看到螢火蟲周圍的物體和空間。

如果在物體和空間不變的情況下去改變光源的大小、強弱、遠近、色相等要素的話，那我們看到的物體和空間的視覺效果也會發生改變，而且同一場景的光影效果的變化是可以有無數種的。

雖然無法去記住每一種變化，但我們可以學習光影原理，去深入瞭解光是如何影響物體的，從根本上破解光是如何影響物體的。

先從臨摹與寫生開始，掌握用素描單色塑造世間萬物體積感和空間感的能力。

具體的學習路徑為：排線塗色能力、辨識灰度並默畫出準確深淺的顏色、不同深淺顏色之間的平滑過渡能力、光影原理、素描幾何形體臨摹與寫生練習、素描靜物臨摹與寫生練習、素描石膏像臨摹與寫生練習、素描人物五官和局部臨摹與寫生練習、素描人物和動物肖像畫臨摹與寫生練習、素描室內外空間場景臨摹與寫生練習。

第三項：通用色彩原理與常見上色工具使用技巧

完成前倆項內容的學習之後我們素描基本功就很紮實瞭，也可以說是將色彩構成中的形狀和明度（亮暗度、灰度）給搞清楚瞭。

接下來隻需要將色彩構成中剩下的色相、純度（飽和度）和冷暖等因素的原理搞清楚，並學會找到或調制出任何一種自己需要的顏色，就可以上手去探索奇妙的色彩世界瞭。

具體的學習路徑為：色彩相關原理、練習內容的類型與前倆項一致，練習過程中一一講解電子軟件繪畫、彩鉛、水彩等上色工具的使用技巧。

第四項：想象中的人、物、景之創作能力

完成前三項的練習之後，我們就可以真正做到畫出“目之所及”，眼睛所看到的任何景象我們都能根據一通百通的基本功將其畫出來。

那接下來我們開始研究如何畫出“心中所想”，也就是創作。

具體的學習路徑為：人體解剖基礎，如何想象著畫出任意動作的人體、任意角度的人體、任意表情的頭部，如何給人物穿上自己想要的衣服，如何創造出自己需要的場景空間、如何添加進去透視合理風格匹配的傢具，如何給一個想象中的空間加上合理的光影關系，如何根據一個主題完成一次完整的創作（思維導圖-收集素材、草圖、素描、上色）。

以上這四項是一個新手小白從零基礎到畫啥像啥再到實現自由手繪的已經被驗證瞭的高效學習路徑。

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