一、迪瑪希《Uptown Funk》

原唱 Bruno Mars，原調 d 小調，音域 C4 - D5，迪瑪希沿用原調，音域 F3 - D6

Funk 不同於大多數曲風之處在於：它是個采用「Pattern 式展開」的音樂風格。我們聽到的大多數音樂的推進力主要源自和聲變化帶來的情緒張力（一個段落通常會從穩定的主和弦，慢慢向不穩定發展、越來越不穩定，最後解決到穩定，形成閉環，段落結束）。而 Funk 並不通過旋律與和聲的發展得到推動，反而是靠不斷復制短小的段落循環，通過律動、編曲的變化來實現音樂的發展。從這個角度上看，Funk 和電子樂、嘻哈是非常相似的（並且存在很多交叉）。Funk 會把歌曲和聲簡化到極致：《Uptown Funk》整首歌隻有兩個和弦：Dm 和 G，但保證音樂豐滿精致的，是密集的節奏吉他掃弦，復雜的織體填充、以及花哨的貝斯旋律線。

相應的，在表演上，Funk 對於節奏的要求就比一般的抒情歌要嚴格的多。歌手和樂手不僅要卡準節拍，而且在小拍子（小節內弱拍）以及切分點處也要卡準，這樣才能保持律動的同步，以及聲部之間配合的精準（歌裡處處都是 Call & Response 啊）。而這也是迪瑪希能力體系裡稍弱的一環：迪瑪希在這首《Uptown Funk》中基本能夠保持樂句級的準確，但間或會出現小拖沓，沒有跟上歌曲律動就會影響聽感。這個律動精度在他前幾首歌裡完全不會造成影響（即便是《The Show Must Go On》這類的「快歌」），但在《UF》裡就會成為問題（就好比 3mm 的磚縫誤差對於 600mm 的墻磚可忽略不計，但對於 30mm 的馬賽克就會直接影響觀感一樣）。

此外，這首歌的編曲也稍顯細碎（其實原曲已經編得相當豐滿且對比相當強烈瞭），駕馭這種風格應該沉得住氣，多抻幾遍然後做個大變化（而不是每反復一遍就加點花）。總體看來是個熱鬧活泛的表演，放在開場帶氣氛（但投票上也略微吃虧），發揮有小瑕疵，以後註意就是瞭。

二、趙雷《月亮粑粑》

原唱鐘志剛，原調 G 大調，音域 D3 - G4，趙雷從 E 大調轉到 G 大調，音域 B2 - E4

《月亮粑粑》這首作品，取材自長沙民謠，同時把歌中的意象（月亮），延伸到瞭歌曲主體當中，變成瞭成年人關於成長、親情與鄉愁的情感抒發。從創作意圖和上講，和《天黑黑》 有異曲同工之妙。趙雷選擇此曲的意圖也很明顯，除瞭曲風上的契合之外，歌中的長沙童謠（用的還是長沙方言）也有助於多圈長沙觀眾的感情票。

從效果上看，首先，《月亮粑粑》此曲本身略顯簡單，歌曲段內的句法，以及主歌副歌段的句法都過於相似（一二三四五六七~ / 一二三四五六七~ / 一二三~四~一二三四五~ / 一二三四五六七~），很容易產生聽覺疲勞。主歌段副歌段都是簡短的四句段，缺乏 Pre-Chorus 和橋段的過度，整首歌難以靠樂段形成層次變化，音樂的對比太過依賴於歌詞。（這也給趙雷的改編制造瞭不少難度）

趙雷其實已經在原曲基礎上優化瞭不少，比如把原曲略感僵硬的 3/4 拍，微調成瞭更細膩的 6/8，和聲上也配得更流暢（原曲主歌段中 I7 - IIm 實在有些別扭），但演唱上省略瞭一些原唱中的裝飾音，音色和語氣的變化也稍顯寡淡。另一個明顯的改動就在於歌曲中後段串燒進去的一段《彎彎的月亮》，並且順勢把歌曲從瓷器那的 E 大調升到瞭 G 。但趙雷的嗓音和劉歡老師那種飽滿嘹亮的音色還有距離，而且節奏和配器的變化使得趙雷並沒有表達出《彎彎的月亮》中那種充沛的情感，銜接起來有點脫節。

最關鍵的問題在於趙雷本身發聲機能的局限——他這首歌的高音僅僅到 E4，離換聲點還有好幾度，而如此低的音區就決定瞭趙雷的演唱和激情、光芒、震撼感……統統無緣。和其他幾位堪稱「演唱傢」的歌手拼演唱，失利是必然的。

其實談起《月亮粑粑》，我想聊聊另外一段故事。我在北師上學時認識瞭一個朋友，他是我中學同班同學的大學同班同學的同系校友（拐瞭七八十道彎），隻是因為我們當時都在讀非音樂專業（他好像是中山大學經管系的？）但又極度想成為專業音樂人所以未曾謀面時我們就已經感覺非常親近（我當時在自學編曲，他在自學打鼓）。大三時他來北京跟王瀾（譚維維的鼓手）學鼓時我們見過一面。之後我去瞭音樂學院讀書，他在廣州成瞭音樂制作人。雖然他參與瞭很多歌曲的編曲和制作（其中就有鐘志剛這首《月亮粑粑》的錄音室版本），但由於產業大環境不好，他還是離開瞭音樂行業。我們幾年後再在北京見面時，他已經回到老傢青海成為一名電視臺錄音師瞭（路徑和我好像）。他有瞭穩定工作、有瞭老婆孩子，但他心裡還記掛著音樂。他現在還會花時間編曲，會在知乎上回答關於 Logic 的問題，他還會給當地少數民族（藏族、蒙族、回族）的歌手制作帶有當地民族特色的流行歌曲——我聽過一些，有些寫得還有點意思。希望他能夠在音樂中得到更多的快樂與享受。

三、張傑《默》

原唱那英，原曲 f 小調，音域 F3 - bE5，張傑版降 e小調，音域 bE3 - bE5

效果有明顯進步。原曲《默》是非常典型的電影營銷案例（以很小的成本實現瞭非常好的宣傳效果，另：音樂一直是非常好的話題營銷工具，因為便宜）。單獨從音樂角度審視也堪稱佳作。歌詞以及旋律構建出瞭非常優美的意境，而且整體歌曲在深情之餘，又保持瞭足夠的靈動和流暢，沒有陷入一味的淒慘悲苦中，分寸感拿捏得很好。

張傑的版本整體上對歌曲進行瞭強化。編曲上，歌曲前半部分采用瞭接近於室內樂重奏式的配樂，而後各個聲部依次進入。高潮段落的鼓組和吉他都給得很足，音樂的層次對比度要明顯高於原曲。除瞭前半部分的弦樂有時略顯碎片化之外，整首歌曲推進得十分流暢。定調上，張傑僅比那英的女聲調低瞭 2key（通常男聲唱女歌要降 5 key 以上），這使得張傑演唱時，副歌部分的旋律線頻繁超越 C5（high C）。從賬面音域上看沒有迪瑪希高，但從演唱難度和完成度而言，張傑的演唱也是一般人難以企及的。

提升瞭音域的版本非常有助於張傑展示他嗓音的亮度、力量和穩定，同時，他音色裡那種銳利的金屬感，反而和加重瞭的編曲相互映襯，增加瞭情緒烈度。張傑這次也沒有自己胡亂加滑音、顫音或者加什麼奇奇怪怪的段落（不必要的裝飾音會讓演唱和音樂脫節，從而破壞歌曲的整體感），保證瞭競演效果。

四、林憶蓮《克卜勒》

原唱孫燕姿，原曲 C 大調，音域 G3 - C5，林憶蓮從 #C 大調轉到 D 大調，音域 #G3 - #G5

「克卜勒」就是 Kepler，在大陸譯為「開普勒」，燕姿歌名裡的「克卜勒」指的是德國天文學傢開普勒 1604 年發現的一顆超新星，可由人類肉眼觀測到，是當時天空中最亮的恒星。兩年後的 1606 年，該超新星消失。

有瞭這個關鍵信息後，就不難理解孫燕姿歌詞中對於星星、銀河的描繪，也能理解燕姿在歌中對於無線電噪音的使用。突然閃耀但隨後又黯淡隱沒的星星，就好比人海中看到某個久別故人、或是未曾謀面但神交已久的朋友，距離雖遠但心有微妙靈犀，可環顧四周時又不免感到孤獨與陌生，隨即悵然起來。

Sandy 在此基礎上增加瞭一層更具體的意象：她邀請瞭一位有語言障礙的小女孩在副歌段落和她一起「表達」，加上演唱之前對改編立意的鋪墊，使得整首歌多瞭一層聖潔與悲憫。與此對應的小細節是，貫穿副歌段的是《阿甘正傳》中羽毛主題的變奏，從而把那種漂泊與無常的感覺塑造得更為平和而深刻，也更容易激發出聽眾的思考與善意。

演唱上，林憶蓮仍然保持著足夠的柔和與細膩，但也不乏爆發點（給到瞭 E5 和 #G5），有力地支撐瞭歌曲的呈現意圖。歌曲前段有小失誤（「我依然願意借給」），難道是耳返還不合適？

五、獅子合唱團《It’s My Life》

原唱 Bon Jovi，原曲 c 小調，G3 - bB4，獅子版 bB2 - D5

《It’s My Life》是 Bon Jovi 的主唱 Jon Bon Jovi、吉他手 Richie Smbora 以及 Max Martin（沒錯，就是給後街、小甜甜、CA媽、艾薇兒、水果姐、黴黴、A妹、盆栽哥……等人寫歌的那位）共同創作的。此曲屬於典型的「墻裡開花墻外香」，在多國都奪得瞭榜單冠軍，但在美國本土卻成績平平（Billboard Hot 100 榜上最高排到第33）。當然此曲在中國格外火爆的原因是因為一部用瞭此曲當背景音樂的 CS 的視頻的廣為流傳（由甜咖啡制作）。音樂是非常依賴推廣的，除瞭傳統的電影電視綜藝，遊戲乃至整個 ACG 都成為瞭捧紅音樂的新渠道（比如推紅瞭 Alan Walker 的 LOL），畢竟流量為王用戶為王嘛。扯遠瞭。

《It’s My Life》雖然發行於 2000 年，但整體上看還是首相對老派的流行搖滾作品，配器、樂段都相對規整。而獅子本場的版本稍顯得花哨瞭一些：前奏慢速低沉吟誦 + 低八度主歌開場，然後旋律一路上行達到高點 D5，這一大段落作為引子層次已經很豐富瞭。而後，全樂隊進入完成瞭一段副歌後層次又拉弱進入主歌，到副歌段再加重，中間還加瞭蕭敬騰的鋼琴（這種音色和織體略顯得軟瞭）。歌曲的前 2/3 一直處在相對凌亂的狀態，每經過一個小段落都會伴隨著大件樂器的明顯變化（失真 riff 消失或是鼓組變散），怒氣值攢三泄二，遲遲發不出大招。其實獅子這一版編曲，保留前 1/3 和後 1/3，把中間那 1/3 的花哨招數全去掉，除瞭常規樂器外隻用個 talk box（原版最明顯的特征，人聲的失真 + 哇音），效果就會明顯好轉。

六、譚晶《賽裡木湖的月光》

e 小調，音域 D4 - A5

參加比賽還專門做首新歌，譚晶老師也是蠻個性的。此曲的作曲及編曲者劉洲老師就是譚維維《給你一點顏色》（春晚版調整成瞭《華陰老腔一聲喊》）的制作人。劉洲老師對於傳統音樂與流行歌曲的融匯搭配，是有一番自己的見解的。

這首《賽裡木湖的月光》的前半部分取材自維吾爾族民歌《阿瓦爾古麗》（也有翻譯成《阿裡古麗》的，意思是「最美麗的姑娘」），而後采用瞭一種典型的維族民歌的段落結構，即「散 - 慢 - 中 - 快」，編曲上也會增加相應的聲部，營造出瞭「神秘 - 吸引 - 活潑輕快 - 熱烈奔放」的氣氛。配器上，采用瞭諸多新疆特色民族樂器（彈撥和打擊樂器），構建出瞭律動有力、結構復雜、色彩明亮、對比強烈的織體聲部。其他的維吾爾族民歌特征諸如句首弱起、重拍裝飾音、微分音吟唱等等，也都出現在瞭作品當中，這使的整首歌曲呈現出瞭鮮明的維吾爾族風情。譚晶老師把新疆民歌的演唱特點抓得很到位（部分尾音的上挑、裝飾音的區別力度處理、跳進滑音等），又展現瞭足夠的發聲技能（副歌頻繁的 E5，尾段兩句內爬瞭個 G4 - A5 的大坡），整個演唱也極富感染力。

除此之外，值得一提的在於弗拉門戈（Flamenco）元素的使用。新疆和西班牙遠隔萬裡，但新疆維吾爾族的傳統音樂和西班牙的弗拉門戈卻有許多相似之處。這個問題我曾當面和克爾曼老師（維吾爾族弗拉門戈吉他演奏傢，本場就在臺上給譚晶伴奏 & 伴唱）討論過：熱瓦甫、彈佈爾等維族傳統彈撥樂器的演奏方法和吉他很像，他有新疆彈撥樂器基礎所以接觸到吉他後很快就上手瞭。玩指彈自然就會接觸到弗拉門戈，而他第一次聽到弗拉門戈就感覺這種音樂和維族傳統音樂有諸多相似。後來他年長成名遊歷歐洲時，曾經當面給西班牙的弗拉門戈大師演奏瞭維吾爾族音樂，對方也很驚訝於，新疆的維吾爾族音樂和弗拉門戈音樂在律動、調式、結構、旋法上存在極多的共同特點——多到讓這兩種風格常常可以深度融合、無縫切換。如果從歷史的角度上看，這些共同點可能源自阿拉伯文化的影響——弗拉門戈興起於西班牙南部的安達盧西亞地區，因為被摩爾人（分佈在南歐和北非的穆斯林）統治長達數百年，使得該地區的傳統音樂帶有鮮明阿拉伯特征。同時，在我國民族音樂的理論體系中，維吾爾族音樂也是從屬於波斯-阿拉伯樂系的——但如何從民族音樂學、音樂人類學的角度概括、論證這二者之間的關系並形成明確的學術結論，還需要相關領域的學者進行深入研究。

還要說明的是，弗拉門戈是包括瞭演奏、演唱、舞蹈、服裝等要素的綜合藝術形式。在提速瞭的高潮段中有維族女舞者上臺，同時其他人側身鼓掌跺腳喝彩（譚晶以及樂手伴唱們），是非常典型地道的弗拉門戈表演。整首歌曲把維吾爾族歌舞與弗拉門戈風情交織在瞭一起，有歌有舞有視有聽，熱情奔放之餘，又散發著文化的魅力，令人神往。

此處強勢插播一條硬廣：對「帶有濃鬱民族風情的流行音樂」感興趣的同學們，我鄭重向大傢推薦一檔我參與瞭制作的音樂節目《天籟之聲》，節目剛行進至中段，每周四晚 21:10 在東南衛視播出。克爾曼老師和阿來（迪瑪希的音樂合夥人）都將在節目中演唱具有濃鬱民族特征的歌曲（大傢正好也感受一下維吾爾族和哈薩克族音樂的區別呢），還有好多其他民族的歌手（哈雅戴荃騰格爾央吉瑪等），具體信息大傢自行搜索吧。

七、林志炫《你永遠不知道》

bE 大調，音域 D3 - bB4

白駒過隙、一晃五年。

林志炫參加第一季《我是歌手》時就遭到瞭不少「飆高音」的批評。梳理一下林老師的此間競演曲目的最高音，《Opera》到瞭 bA5、《回傢》到瞭 F5、《Easy Lover》到瞭 bE5、《浮誇》到瞭 E5 、《Making Love Out of Nothing at All》到瞭 C5，剩下的《夜夜夜夜》、《煙花易冷》、《沒離開過》高音都位於 A4-B4 左右，還有首最高音僅到 E4 的《你的眼神》，並不是每一首都很高。且關鍵問題在於，林志炫的演繹都非常尊重原曲，演唱中的高音都是原曲裡本來就有的（而不是在原版之外自己另加的），所以林志炫老師算是一位難得的「有高音但不飆高音」的歌手。

這五年間《我歌》的音域出現瞭明顯的通貨膨脹，高音越來越高音域越來越寬，當然林老師拼起音域來也是不虛的。另一個更明顯的問題在於，這幾年的編曲越來越精致豐滿，某種程度上有些花哨瞭，而這導致觀眾們的激動閾值越推越高。第一季《我是歌手》裡很多演唱僅僅隻能稱得上翻唱（這並不代表批評）而非改編，對聽眾的直觀沖擊力無法和如今的作品相提並論——本季相對細膩寡淡的杜麗莎放到第一季很可能遊刃有餘，而當年常常被認為「玩脫瞭」的尚雯婕放在今年沒準就高歌猛進瞭（可惜沒如果啊）。且不論好壞，但觀眾的口味越來越重是客觀事實，如何作出調整來適應更激烈的比賽節奏，則是林志炫老師需要著重考慮的問題。

此外還想聊聊的是林志炫老師近年的 One take。科技的發展逐漸改變瞭音樂制作方式，從 90 年代開始，數字音樂制作技術的成熟使得音樂行業逐漸轉向瞭非線性制作方式——音樂不再像之前那樣同期錄制完成，而常常是由不同的樂手依次演唱、演奏，錯瞭可以再改，不滿意可以細調，錄制完成後經過一系列的剪輯、拼貼、調試、美化後，合成為一個精致的成品。不可否認，這種方式大大地提高瞭音樂生產的效率（當然也拯救瞭很多蹩腳的歌手和樂手），所以也迅速成為流行音樂的主流生產方式。可，有效率的東西就一定好麼？被淘汰的東西是因為它差麼？真實和（音樂生產者們認為的）美感哪個更重要？不真實的美能有多美？什麼是真實？

這問題深瞭。但可以確定的是，相比起主流的唱片制作方式，One take 更真實。

林志炫的 One take 是他對自己內心音樂原則的堅持，是對遭受流水線生產方式沖擊的音樂匠心的挽救，從這個意義上看，這和蕭敬騰組建獅子合唱團（以及，蕭也玩 one take）的用意是相似的。為他倆點贊。

八、側田《命硬》

原唱側田，原調 bE 大調轉 E，音域 C3 - B4，現場版從 D 大調轉 bE 大調再轉 E，音域 B2 - G5

非常工整的一首歌。原版寫得就工整，主歌 Pre-Chorus 副歌橋段一應俱全、前奏間奏尾奏分列其中，按部就班升 key、一板一眼推進。現場版也同樣精致細膩：早早進鼓，在引子裡就先搭好律動架子（復合節拍一直很占便宜所以一定要發揮優勢），明顯提升瞭伴唱比例並與歌手頻繁互動（甚至專門留瞭一個阿卡貝拉段落），擴寫段落、優化接口、讓整個歌曲多升瞭一次 key，最後還做瞭一連串精彩的剎車重啟。一首抒情歌能編得如此繁而不亂，非常厲害。

正如節目裡所說，《命硬》這歌十年前是唱給愛情，如今是唱給自己——咬字兇狠節奏精準從容瀟灑偶露獰笑，這就是人到中年歷經起落雖然嘗遍冷暖識破世情但仍然重新開始不忘初心勇攀高峰的側田的人生啊。生活積淀出的厚重感，讓側田把這首歌唱得真摯而鏗鏘。感人。

三票投給：譚晶、張傑、側田