单色画，单色这个词的字面意思是“一种颜色”，在艺术领域，是指由一种颜色，或者连同该颜色的阴影组成的绘画作品。是20世纪到21世纪先锋视觉艺术的重要组成部分，并且一直可以在当代艺术作品中找到它的影子，这是一种不同的艺术创作方法，一百多年来，艺术家一直使用这种单一的颜色去探索绘画的潜力和局限性，研究单一颜色带来的细微差别，以这种细微差别的表现力去传达作品的情感和含义。

单色画通过特定的色调作为绘画主题，艺术家可以去发现观众与该色调产生的情感、灵性和思想的互动。我们对色彩的感知来自我们的经历，我们每个人以不同的、微妙的方式看待它，当我们看到一种色彩时，总是容易将它与自己的想法和感受联系起来，所以同一种颜色会引起不同的反应，这也是单色画的解释经常引起争议的原因。

若将单色画向前追溯，可以追溯到1882年在巴黎举办的第一次Incoherent arts展览上，诗人Paul Bilhaud 创作了一幅名为"Combat de Nègres dans un tunnel" (Negroes fight in a tunnel)的黑色绘画。

Incoherent 是由法国的作家和出版商在1882年倡导的一个短暂的文化运动，由于其包含讽刺精神，所以人们总是将Incoherent和后来的达达主义、前卫和反艺术等联系起来，这场艺术运动结束于1890年代中期。

在随后的Incoherent艺术展览中，Alphonse Allais也创作了单色画（见下图），他还在1897那年出版了单色艺术品专辑Album primo-avrilesque，专辑中有7副单色画。19世纪的这几幅单色画，并未产生理论意义，更多像是一种“玩笑”。

下图为First communion ofanaemic young girls in the snow", white

下图为Tomato harvesting by apoplectic cardinals on the shore of the RedSea", red

更具有现代艺术理论意义上的单色画，人们普遍认为起源于俄罗斯，莫斯科的至上主义艺术之父Kazimir Malevich在1915年创作出他著名的Black Square时，他改变了艺术应该表现现实世界的观念，他创造了一种新的视觉叙事，将抽象艺术发挥到极致，色彩和图形纹理在其自身中终结，这一概念极大的影响了后来的极简主义和概念艺术，随后他在1918年创作了作品White on White。下图为Black Square

下图为White on White

小知识：至上主义是20世纪俄罗斯抽象绘画的重要艺术流派，至上主义强调使用有限的颜色绘制基本的几何图形。

俄罗斯艺术家Alexander Rodchenko ，他也是建构主义的奠基人，在1921年对外展示了三幅画，这三幅画分别是红黄蓝三种单一的颜色，他想通过这个作品来说明绘画的死亡。

这里两个人对待单色画的想法是不一样的，Rodchenko认为单色画预示著绘画的死亡，而Malevich则认为，单色画是对绘画的一种关注，这是对所追求的纯粹的感觉以及艺术本质的一种沉思。这两张截然不同的想法，说明了单色画有它矛盾的地方，如果离开艺术家的说明，人们很难知道艺术家在想什么，只能凭自己的去感受。

还有一位著名的单色画家Yves Klein，他发明了一种明亮的蓝色，并命名为International Klein Blue，这位艺术家的灵感来自东方的宗教，这些宗教经常把蓝色与无线联系在一起，并试图将人们与自然的四种要素：风、土、水和火联系起来，是人们觉得自己与自然宇宙融为一体。

Malevich将单色画视为绘画的本质，而Klein则将单色画视为一个通向自由的窗口，透过克莱因的蓝，观众通常会觉得正在透过一扇窗户望向蓝天或海浪。有个小插曲，Klein第一次将他的作品蓝，送去展览时，美术馆以未完成为由拒绝了，因为他的蓝没有深浅变化，但最终这幅蓝成就了克莱因。

意大利艺术家Piero Manzoni（1933-1963）除了著名的艺术家的屎之外，在1958年，也创作过单色画作品，名为Achrome。

像他的许多同代人一样，Manzoni希望消除绘画中的叙事内容，这对于他来说，意味着消除作品中的色彩，于是他创作了这个作品，他首先将画布浸入一种做瓷器的瓷土中，这种瓷土是没有颜色的，达到了他想要消除颜色的目的，达到了他想到的虚无的程度，材料的重量导致其下垂滴落，从而在画布上形成褶皱。他解释为：这种不间断的、连续的表面，排除了任何多余的、可能的诠释。

德国艺术家Gerhard Richter曾在1974年创作了作品Gray，这是一幅灰色的画，代表着他对色相的探索，对灰色的探索，他认为，灰色代表着“无陈述”，它不会触发感觉或联想，它是可见的，也是不可见的，没有任何颜色比灰色更能说明“无”这个概念了。

单色画使颜色变得很醒目，因为画布上几乎没有其他任何东西，观众别无选择，只能专注于颜色本身。作品和观众进行的是非常个人的交流，因为同一种颜色，在不同人的眼中会唤起不同的感受。比如Malevich的白色，让人联想到纯净和纯真，而黑色则具有另一个独特的能力，可以唤起被拉入黑洞的感觉，观众在观看Malevich的Black Square，或者Ad Reinhardt的全黑绘画时，许多观众会觉得自己正在注视著一个虚空，引发对生存和死亡的思考，Ad Reinhardt曾这样解释他的全黑绘画：“作为一名艺术家，我想消除很多象征意义，因为黑色有趣的是，它不仅是一种颜色，而且是一种没有颜色的颜色。

下图为Ad Reinhardt的全黑绘画

总体来讲，单色画通常表现两个目的。第一个目的是传达精神的纯洁性；通过选择一种颜色，让差异性消失，艺术家可以探索完全抽象的宁静。比如伊夫·克莱恩（Yves Klein）的作品。对一些艺术家来说，第二个目的是将绘画或雕塑简化为最简单的形式，使作品的焦点集中在其纯粹的物理元素上：颜色及其深浅、形式、纹理或其制作方式，比如上文中Kazimir Malevich的作品，以及英国的BenNicholson在三十年代创作的一系列白色浮雕作品（见下图）

德裔美国艺术家Josef Albers(1888-1976)，被认为是单色画和其色彩理论的重要人物之一，他曾在包豪斯学院学习，毕业后成为了那里的教授，后来因为纳粹关闭学校，他搬到了美国，成为Black Mountain College的负责人，这所新的艺术学校吸引了包豪斯风格的很多老师，1949年，他离开了Black MountainCollege，开始担任耶鲁大学设计系主任，开始了长达25年的Homage to the Square系列作品的探索，Homageto the Square并不是严格意义上的单色画，而是不同的颜色，以正方形的形式叠加在一幅画中（见下图），是一种对色彩的探索。Josef Albers 认为，如果有人对着50个人说“红色”，那么他们的脑海中会有50个不同的红色，可以肯定的是，所有这些红色会有很大的不同。他在1963年出版了Interaction of Color，这本书旨在探讨色彩的欺骗性和感知的重要性。

单色绘画的自我重塑

八十年代，韩国的单色画之父Park Seo-Bo在80年代开始白色的画布上绘制出具有质感和节奏感的线条，这一些列作品名为Ecriture（意为用法语书写），这一系列作品描绘了实现自我净化的精神之旅，他的作品具有修禅般的宁静。下图为Ecriture

小知识：韩国的单色画运动，兴起于上世纪50年代，从风格上来讲，艺术家拒绝使用现实主义和形式主义（realism and formalism）来创作现代抽象，他们选择单色，并且强调画布的平整度，通过在图片中使用重复的图案和手势，他们试图创造出一种普遍的，不属于任何人的美学风格。相关的艺术家有 Ha Chong-hyun, Hur Hwang, Lee Dong-Youb, LeeUfan, Park Seo-bo和 Yun Hyong-keun.

美国艺术家Jessica Dickinson则在他的单色画上塑造出蚀刻的感觉，以传达一种痛苦情绪。

单色画在自我重塑的过程中，从最初的黑白画，将色彩剥离，将艺术与现实分离，到后来单色画成为自我质疑和自我净化的工具，由于单色画具有可以转变为多种含义和情感的能力，所以单色画持续的成为艺术家灵感的源泉。

解读单色画的空间很大（也包括无法解释），单色画相比其他艺术风格，它从未成为主导，很少有艺术家专门致力于单色画创作，但是它从未消失，并且吸引了很多艺术家和评论家去研究它，在20世纪下半叶达到顶峰，它是现代主义的象征之一。

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写于2020年11月24号

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